Kirstine Roepstorff (née en 1972) est une artiste visuelle danoise qui vit et travaille à Fredericia (DK). Roepstorff a étudié à l’Académie royale danoise des beaux-arts de Copenhague de 1994 à 2001 et à l’Université Rutgers, Mason School of Fine Art (MFA), États-Unis (2000). En 2016, elle a été nommée pour représenter le Danemark dans le pavillon danois à la 57e exposition internationale d’art – La Biennale di Venezia 2017, intitulée « VIVA ARTE VIVA » et en 2018, son travail est présenté au Kunsthal Charlottenborg dans la vaste exposition solo Renaissance of the Night.
Au centre de la pratique de Roepstorff se trouve une conscience aiguë de l’équilibre dans sa diversité de significations – des perturbations dans les structures de pouvoir du monde d’aujourd’hui à la condition humaine avec des principes d’équilibre dans le corps-esprit. Poussé par tout ce qui aspire à prendre forme, Roepstorff utilise l’esthétique, avec tout ce qu’elle englobe de sensibilité incorporelle et de détermination corporelle, comme une entrée vers des aspects plus subtils et plus intangibles de tout ce qui nous émeut – physiquement aussi bien que mentalement.
Largement reconnue pour ses premiers collages à grande échelle, ses juxtapositions de fragments détournent notre culture visuelle vers de nouveaux imaginaires. Marqués par des assemblages et des superpositions, les collages englobent des matériaux comme les tissus, le laiton, le bois et le papier afin d’attirer l’attention sur les espaces intermédiaires, les fissures et les possibilités potentielles. Dans une veine plus abstraite, les mobiles de Roepstorff, et l’utilisation du laiton en général, laissent entrevoir une dimension mythique, planant autour des vibrations cosmiques. Algébriques dans leur langage et aux formes pures évoquant des êtres comme l’eau, les soleils et les bipèdes, les mobiles suggèrent une plénitude. Assemblées en pendules, les structures elles-mêmes reposent sur des principes d’équilibre. En tant que chaîne très récente dans une pratique polyvalente, les “arrosages” de Roepstorff indiquent également un processus en couches, une longue application répétée d’eau et de pigment qui dure souvent des mois. Dans ce voile de pénombre et de sédimentations translucides se cache une ouverture vers des interprétations généralisées, comme de grandes toiles de rêves.
Une préoccupation actuelle mais profonde pour l’obscurité sous toutes ses formes et tous ses esprits s’est matérialisée le plus intensément à la 57e Biennale de Venise où Roepstorff a été nommé représentant national danois et a fait une vaste intervention dans le pavillon danois. Cependant, l’obscurité comme force transitoire et régénératrice continue de déterminer une direction artistique généralement soucieuse d’explorer les écarts, les ruptures et les entre-deux. La tâche et le défi d’aujourd’hui résident dans une réaccentuation fondamentale des potentiels obscurs, car l’obscurité est le commencement : de l’art, des vies et des visions.
La pratique de Roepstorff déploie un effort continu pour éclairer nos ombres, pour façonner l’informe et encapsuler le temps dans son passage, sa venue et son existence. Essentiellement, notre être s’étend loin dans les espaces de l’immatériel, et l’art entrelace tous ces coins de notre existence : des royaumes métaphysiques fluides de l’au-delà à notre réalité lumineuse, sombre et tangible.
La base de Roepstorff est constituée de collages incorporant des images médiatiques qui visualisent les relations de pouvoir existantes et traitent de manière critique l’histoire et les échecs des idées politiques. En éditant et en décomposant le matériau original, ses œuvres génèrent de nouveaux contextes qui ouvrent des espaces de négociation et de nouveaux récits. Les collages sont souvent de grande taille et utilisent différents matériaux comme des tissus, des photocopies, des découpages, des feuilles, du laiton, du bois et du papier.
« Son approche du collage peut être vue comme une stratégie philosophique expérimentale. Au cœur de celui-ci se trouve le découpage des images, avec les espaces positifs et négatifs qui en résultent porteurs de traces de l’autre. C’est à partir de là que l’artiste a trouvé son propre slogan : « Tout compte, même si ça n’en a pas l’air. Poussant le collage dans des tableaux de revêtements muraux et de vastes séries avec une complexité formelle et narrative croissante, l’artiste construit le drame sur le large éventail de représentations médiatiques visuelles existantes. Elle incorpore des images de l’actualité aussi facilement que du matériel historique et des images publicitaires, les « arrangeant de manière appropriée » dans le processus de photocopie, de mise à l’échelle, de recadrage, de composition et d’édition de l’œuvre finale. » (Detta von Jouanne, Flash Art Online, 2010)
Source : Wikipédia.