Pietro Lorenzetti ;  1280 – 1348) ou Pietro Laurati était un peintre italien, actif entre 1306 et 1345. Avec son jeune frère Ambrogio, il introduisit le naturalisme dans l’art siennois. Par leur talent artistique et leurs expériences d’arrangements tridimensionnels et spatiaux, les frères ont préfiguré l’art de la Renaissance.

On sait peu de choses sur la vie de Lorenzetti si ce n’est qu’il est  (putativement) né à Sienne à la fin du XIIIe siècle (vers 1280/90), [1] y est mort (peut-être) en 1348, victime de la première pandémie de peste noire qui a dévasté l’Europe, et avait un frère cadet, Ambrogio , également artiste. Le fait que les hommes étaient frères était inconnu de Vasari car il avait mal interprété le nom de famille de Pietro sur un tableau de l’église San Francesco de Pistoia comme “Laurati”. Ainsi la parenté entre les artistes a été manquée.

Pietro a travaillé à Assise , Florence , Pistoia , Cortone et Sienne , bien que la chronologie précise soit inconnue. Son travail suggère l’influence de Duccio (dans l’atelier duquel il a peut-être travaillé, peut-être aux côtés de Simone Martini ), Giotto et Giovanni Pisano.

Selon Vasari, ce sont les fresques de Pietro qui ornaient la façade de l’ Ospedale della Scala de Sienne qui l’ont d’abord attiré l’attention de ses contemporains. Malheureusement, les fresques – que l’on pense maintenant être l’œuvre des deux frères Lorenzetti – ont été détruites en 1720 et ensuite blanchies à la chaux.

Beaucoup de ses œuvres religieuses sont encore visibles dans les églises et les musées des villes toscanes d’ Arezzo , d’ Assise et de Sienne (par exemple, sa dernière œuvre documentée – la Nativité de la Vierge (vers 1335-1342) – est exposée au Museo dell’Opera del Duomo).

Bien que l’intégration par Lorenzetti du cadre et de l’architecture peinte dans la Nativité de la Vierge soit généralement considérée comme unique, elle est évidente dans les fresques d’ Assise quelques décennies plus tôt.  Une conclusion probable peut être faite qu’il n’a pas lu le latin puisqu’il y avait la documentation d’un traducteur étant payé en association avec son travail sur La Naissance de la Vierge.

Son chef-d’œuvre est une décoration de fresque de l’église inférieure de la basilique de San Francesco d’Assisi , où il a peint une série de grandes scènes représentant la crucifixion, la déposition de la croix et la mise au tombeau . Les personnages massés de ces pièces affichent des interactions émotionnelles, contrairement à de nombreuses représentations antérieures qui semblent être des agglomérations iconiques, comme si des personnages indépendants avaient été collés sur une surface, sans relation contraignante les uns avec les autres. L’influence narrative des fresques de Giotto dans les chapelles Bardi et Peruzzi à Santa Croce (Florence) et la chapelle Arena ( Padoue) peut être vu dans ces œuvres et dans d’autres de l’église inférieure. Les frères Lorenzetti et leur concurrent contemporain de Florence, Giotto, mais aussi ses successeurs Bernardo Daddi et Maso di Banco , ont semé la révolution picturale italienne qui a extrait les figures de l’éther doré de l’iconographie byzantine dans les mondes picturaux des villes, de la terre et de l’air. L’iconographie siennoise, généralement plus mystique et fantastique que celle des Florentins plus naturalistes, ressemble parfois à un paysage surréaliste moderne .

Le retable doré à trois étages, le polyptyque d’Arezzo (ou Aretine ou Tarlati) , a été commandé en 1320 par l’évêque Guido Tarlati pour la Santa Maria della Pieve à Arezzo. En son centre se trouve la Madone (drapée d’une magnifique robe doublée d’hermine) et son enfant, flanqués de Jean l’Évangéliste, de Jean-Baptiste, de Saint Matthieu et du saint patron d’Arezzo, Donatus (martyré en 361 EC). Les couleurs riches, les lignes gracieuses, les détails décoratifs et les figures souples (suggérant l’influence de Martini ) confèrent à la pièce «une vivacité rare dans l’art siennois contemporain».

Le polyptyque est la première œuvre datée de Lorenzetti (vers 1320-4) et l’une des quatre seules avec une documentation vérifiable, notamment le retable carmélite , la Madone des Offices et la naissance de la Vierge . « La datation a permis aux savants d’identifier avec précision une étape précise de l’activité et du style du peintre. »

L’œuvre la plus ambitieuse de Lorenzetti est peut-être le cycle de fresques de la Passion dans le transept gauche de l’ église inférieure de San Francesco à Assise. Ces dix-sept fresques bien conservées – le point culminant de son début de carrière – montrent “l’influence de la monumentalité de Giotto, l’impulsion de Pisano, l’expressionnisme du XIIIe siècle … et les enseignements de Duccio”. Les conditions d’exécution des fresques auraient été difficiles car très peu de lumière naturelle serait disponible et l’église inférieure serait proche de l’obscurité. La chronologie exacte des fresques est en question ; certains érudits pensaient que le Le cycle a été peint en sections sur plusieurs années car le style présentait certaines similitudes avec le retable carmélite de Lorenzetti. Les raisons sont variées, allant de la peinture uniquement pendant la saison sèche aux escarmouches sanglantes dans la région à l’époque. Les preuves techniques et stylistiques les plus récentes présentées par Maginnis présentent des arguments solides selon lesquels le Cycle de la Passion de Lorenzetti a été achevé en une seule campagne entre les années 1316 ou 1317 et 1319.

Considérée comme l’une de ses premières œuvres (commencée dès 1310) est la Vierge à l’Enfant avec saint François et Jean-Baptiste , dans la chapelle Saint-Jean-Baptiste. Selon Maginnis, « la réalisation la plus fine et la plus complète de l’ambition de conjoindre l’espace réel et peint a été laissée à Pietro Lorenzetti, travaillant dans le transept gauche. Là, son célèbre retable fictif est, en réalité, bien plus.

Le cycle de fresques de Lorenzetti commence par L’Entrée à Jérusalem , la Cène , le Lavement des pieds , la Capture du Christ , la Flagellation et le Chemin du Calvaire.

Ces premières scènes ont été peintes en commençant par le haut du toit voûté et en allant vers le bas afin d’éviter de couler d’en haut sur une scène fraîchement peinte.

La Cène a le Christ et ses disciples assis autour d’une table mal inclinée dans une rotonde resplendissante sous un ciel nocturne orné d’étoiles filantes et d’un croissant de lune. À gauche des saints convives se trouve une cuisine étroite et dans celle-ci se trouve un homme faisant la vaisselle, une femme à son épaule, un chien léchant les derniers restes d’une assiette et un chat endormi. Dans cette scène apparemment banale, Lorenzetti surprend par une innovation, car les animaux domestiques et les assiettes projettent des ombres définies à des angles déterminés par leur relation avec le feu.

La Crucifixion , la plus grande et la plus endommagée des fresques, est considérée comme l’une des grandes peintures de Lorenzetti.

Deux scènes sur le mur du fond, la Déposition de la croix et la Déposition au tombeau , montrent les personnes en deuil enlevant avec amour le Christ de la croix et plaçant, avec des mouvements lents et mesurés, son corps sans vie dans la tombe. Cela démontre la capacité technique et la maturité de Lorenzetti, ressemblant à l’utilisation par Giotto des émotions humaines naturalistes.

Le Suicide de Judas est peint sur le mur de parement, à l’angle entre l’entrée du transept en haut de l’escalier, où il est peint comme faisant partie de l’architecture du transept. C’est la seule fresque avec une inscription (scariotas).

Devant la Crucifixion se trouvent les stigmates de saint François . La représentation de la vie de saint François apparaît dans la nef de l’église, suggérant un parallèle entre la vie du Christ et celle de saint François . Lorenzetti pousse l’idée plus loin en plaçant Saint François à côté de la Capture du Christ remplaçant l’ Agonie du Jardin de l’histoire originale de la Passion par Saint François.

Les scènes supérieures sur le même mur et les deux dernières histoires du cycle de la Passion, la Descente du Christ dans les limbes et la Résurrection sont en forme de corne dans un petit espace difficile. Les deux scènes représentent des exemples de styles similaires aux six premières scènes, en particulier le visage du Christ.

La Madone des couchers de soleil sous la Crucifixion dans un cadre peint est la Vierge à l’Enfant, Saint Jean l’Évangéliste et Saint François. Marie a un geste unique, tenant son pouce vers le haut pointant vers Saint François, levant la main pour accepter son appel.

Source : Wikipédia.