Giovanni Segantini, peintre.

Giovanni Segantini, né à Arco sur le lac de Garde (Tyrol, Empire d’Autriche) le 15 janvier 1858 et mort dans le Schafberg au-dessus de Pontresina (canton des Grisons, Suisse) le 28 septembre 1899, est un peintre italien rattaché au courant du symbolisme réaliste. C’est un peintre de genre qui a représenté des sujets typiques, et est considéré comme un maître des paysages de haute montagne. Pour Philippe Dagen du journal Le Monde, « il s’agit d’un des artistes majeurs de son temps, entre symbolisme, postimpressionnisme et primitivisme ».

Il commence très tôt à peindre en plein air et développe sa propre version de la technique du pointillisme, à l’aide de laquelle il peut reproduire la lumière ininterrompue du monde de la haute montagne et augmenter l’effet naturaliste de ses images.


Giovanni Battista Emanuele Maria Segatini, son vrai nom, qu’il change plus tard en Segantini nait en 1858 à Arco, au nord du lac de Garde, dans la partie italophone du Tyrol, appartenant alors à l’Empire d’Autriche, dans une famille aux conditions économiques précaires, enfant du charpentier Agostino Segatini (* 1802 ; † 20 février 1866) et de sa troisième épouse, Margherita de Girardi (* 4. septembre 1828, Castello-Molina di Fiemme ; † 3. née en mars 1865, Trente). Un frère, qui a six ans de plus, décède dans un incendie le 20 juillet 1858.

Après la mort prématurée de sa mère (elle décède à l’âge de 36 ans) quand Giovanni a sept ans, son père, alcoolique, qui est marchand ambulant et ne peut s’occuper de lui, le confie à une fille de son premier mariage, Irène, qui habite Milan. Celle-ci ressent l’enfant comme un fardeau. Un an plus tard, Agostino décède. En juillet 1865, la haine pousse la demi-sœur si loin qu’elle écrit aux autorités d’Innsbruck pour demander la révocation de la nationalité autrichienne de Giovanni. Ce qui arrive : selon les lois  répressives qui s’appliquent aux dominions italiens dans l’ancien Empire d’Autriche, un enfant de sept ans peut voir sa citoyenneté révoquée. Segantini est resté apatride toute sa vie.

Privé d’un véritable milieu familial, Segantini vit une jeunesse fermée et solitaire, à tel point qu’en 1870, à 12 ans, il fugue. Quelque temps plus tard, il est arrêté pour oisiveté et vagabondage. Son père étant décédé, il est placé en maison de correction Riformatorio Marchiondi, d’où il tente de s’évade en 1871, mais il y est ramené et y reste jusqu’en 1873. Il y apprend le métier de cordonnier. Un ancien aumônier de prison s’occupe de lui. Il reconnait son talent pour le dessin, lui parle du moine peintre Fra Angelico et lui permet de dessiner et de modeler. Grâce à l’intervention de son demi-frère Napoleone, Giovanni peut quitter l’institution en 1873 et travaille comme apprenti dans sa pharmacie-photographie à Borgo Valsugana jusqu’en 1874.

Segantini part ensuite à Milan et travaille à partir de 1875 pour l’ancien partisan de Giuseppe Garibaldi Luigi Tettamanzi, peintre de drapeaux saints, bannières et enseignes de taverne, comédien et auteur de drames historiques. Tettamanzi l’engage comme assistant et lui donne des cours de dessin12. En 1875, ce petit soutien financier lui permet de suivre des cours réguliers à l’académie des beaux-arts de Brera à Milan, où il suit des cours du jour de peinture et des cours du soir d’ornement. Il suit notamment les cours de Giuseppe Bertini, affinant son bagage de connaissances et d’expériences et nouant ses premières amitiés dans les milieux artistiques de la ville, surtout avec l’écrivain Carlo Morenzi, qui l’influencera  grandement dans ses œuvres.Il commence à peindre, avec des influences évidentes du réalisme lombard.

Lors d’une exposition nationale de la Brera en 1879, il fait sensation parmi les professeurs et les étudiants avec son premier grand tableau, les Stalles du chœur de Sant’Antonio, du fait d’un nouveau traitement de la lumière : « Je n’étais certainement pas concerné par la création d’une œuvre d’art, mais simplement par la peinture. Un flux de lumière pénétrait par une fenêtre ouverte, illuminant les sièges en bois sculpté du chœur. J’ai peint cette partie en essayant très fort de capter la lumière, et j’ai tout de suite compris que lorsqu’on mélangeait les couleurs sur la palette, on n’obtenait ni lumière ni air. J’ai donc trouvé le moyen d’agencer les couleurs réelles et pures, en plaçant sur la toile, non mélangées, les unes à côté des autres, les couleurs que j’aurais autrement mélangées sur la palette, puis en laissant la rétine les capter en regardant la peinture pour fusionner leur distance naturelle. »

À l’époque, les étudiants en perspective considèrent les stalles du chœur de Sant’Antonio Abate, éclairées par une fenêtre latérale, comme un problème insoluble. On veut décerner à Segantini le prix Principe Umberto, doté de 5000 lires. Les envieux et les ennemis l’en empêchent en faisant remarquer au jury que Segantini est autrichien et non italien. Le tableau est acquis par la Société des Beaux-Arts de Milan. Segantini est ensuite chargé de faire des dessins anatomiques en couleur pour les étudiants, ce qui lui donne une bonne connaissance de l’anatomie.

En raison de désaccords avec les professeurs de Brera, il part au bout de deux ans. La même année, il rencontre le critique d’art et marchand Vittore Grubicy de Dragon (1851-1920) à la « Galleria Vittore ed Alberto Grubicy » de Milan : la galerie organise une exposition commémorative pour le défunt Tranquillo Cremona (1837-1878) ; Segantini entre dans l’exposition dans des vêtements pauvres et des chaussures grossières. Il est réprimandé par Grubicy, continue à étudier attentivement les peintures, s’excuse et s’identifie comme peintre. Ainsi commence une relation et une amitié pour la vie ; les difficultés financières de Segantini prennent fin pour le moment : Grubicy lui a obtient des commandes pour des natures mortes et introduit ses ouvrages sur le marché de l’art. En outre, Grubicy, qui voyage beaucoup, le met en contact avec des productions de l’art de son temps, ce qui est l’une des rares occasions pour Segantini de se renseigner sur le luminisme de l’école de La Haye, le pointillisme et sur d’autres artistes tels qu’Anton Mauve et Jean-François Millet et leur travail. De cette phase de formation juvénile, les résultats les plus saillants sont quelques vues milanaises, en petit format, peintes selon la mode de l’époque, telles que Le chœur de l’église de Sant’Antonio, qui montre une remarquable étude de la lumière, et Le Naviglio à Ponte San Marco, vers 1880.

En 1880, Segantini emménage dans son premier atelier sur la Via San Marco près des Navigli de Milan, qu’il garde comme domicile à Milan. Il y  rencontre Luigia Bugatti (1863-1938), âgée de dix-sept ans, connue sous le nom de Bice, la sœur de son camarade à l’Académie de Brera et ami Carlo Bugatti, qui deviendra plus tard un ébéniste recherché à Milan et à Paris. Bice est le modèle de La Falconiera (La fauconnière) de 1880, un tableau romantique qui reflète l’engouement du peintre. L’héroïne du tableau s’appelle Bice del Balzo et, aux yeux du peintre amoureux, « a pris une forme terrestre dans les formes féminines de la bien-aimée Luigia Bugatti, qui est désormais devenue sa Bice. ». Ils ne peuvent pas se marier car il n’a pas les papiers nécessaires.

En 1881, il s’installe avec Bice à Pusiano dans la Brianza, une région lacustre rurale et vallonnée entre Lecco et Milan où il peint des scènes paysannes aux tonalités sombres. Le couple y a deux fils, Gottardo Guido (1882-1974)18, plus tard lui-même peintre et biographe de son père, et Alberto (1883-1904). Leur troisième fils Mario (mars 1885-1916) et leur fille Bianca (mai 1886-1980) naissent plus tard à Milan. Mario deviendra également peintre et Bianca publiera les écrits et les lettres de son père en allemand à Leipzig en 1909. En 1882, la famille Segantini s’installe dans un manoir à Carella, où Segantini rencontre le peintre lombard Emilio Longoni (1859-1932), qui vit et travaille dans la même maison pendant un certain temps.

Il travaille grâce au soutien financier de Grubicy, en étroite collaboration avec Emilio Longoni : au cours de ces années, son art tente de se détacher des milieux académiques de sa jeunesse, à la recherche d’une forme d’expression plus personnelle et originale.

Le 20 janvier 1883, Segantini et Grubicy signent un contrat dans lequel Segantini autorise son mécène et marchand à signer des tableaux avec le monogramme GS, à le représenter dans toutes les affaires publiques et privées, et à disposer de son œuvre et de ses biens, se libèrant ainsi définitivement du soutien de Grubicy.

Segantini étudie en détail la nature morte et développe une peinture orientée vers la nature dans de nombreuses natures mortes. Il peint souvent des fleurs car, pour lui, elles incarnent la pure beauté de la nature. Sur le Lago di Pusiano, la première version de l’Ave Maria auf der Überfahrt est créée en 1882, qui reçoit un prix lors d’une exposition à Amsterdam deux ans plus tard. Cette première version n’est plus conservée.

Les sujets de cette période sont principalement inspirés de la vie paysanne, avec de nombreuses scènes de genre, souvent aux tonalités idylliques et bucoliques, et des vues se rapportant à la Brianza. Ces années voient les premiers chefs-d’œuvre du peintre : parmi les scènes de genre, on trouve les Zampognari dans la Brianza, huile sur toile, conservée au Musée national de Tokyo, La récolte des cocons (1882), La bénédiction des  moutons et La première messe. Dans ces deux derniers ouvrages, deux vues de la Brianza sont particulièrement reconnaissables, respectivement Inverigo et Veduggio ; cependant ils ne sont pas fidèlement rendus par le peintre, mais réinterprétés afin de rendre la composition plus monumentale et suggestive. Dans A Messa Prima, par exemple, la façade de l’église est tournée de 180 degrés par rapport aux marches du cimetière, afin d’isoler la figure solitaire du prêtre, qui monte les marches qui se détachent sur le ciel, avec une effet presque mystique. Après l’orage, qui représente un troupeau de moutons revenant avec la bergère après une averse, montre un rendu original en contre-jour et parvient à rendre avec une immédiateté exceptionnelle la condition atmosphérique particulière de la fin d’un orage d’été.

Les premières grandes reconnaissances de l’artiste en Italie et à l’étranger correspondent également à la période de la Brianza : en 1883, Ave Maria a transbordo remporte la médaille d’or à l’exposition internationale d’Amsterdam, tandis que La tonte des moutons est récompensée à Anvers.

En 1884, Segantini quitte Carella avec sa famille et s’installe à Corneno. De 1885 à 1886, il séjourne seul six mois à Caglio, commune des Préalpes lombardes, à quelques kilomètres de Carella. Dans l’une de ses œuvres les plus importantes, An der Stange, une grande composition lumineuse et spacieuse, qui résume les expériences de la Brianza et représente la somme de son développement pictural jusqu’à présent, il anticipe de son triptyque Sein, Werden, Vergehen. Réalisée en six mois de travail en plein air à Caglio, elle est présentée à la Permanente di Milano en 1886, et rencontre immédiatement un succès considérable auprès du public et de la critique, ce qui conduit Segantini à remporter la médaille d’or à Amsterdam ; elle est ensuite achetée par l’État italien pour la Galerie nationale d’art moderne et contemporain de Rome, où elle est encore exposée aujourd’hui.

Alla stanga est considérée comme le résultat le plus abouti de la phase naturaliste du peintre, qui après ce travail évoluera vers différents sujets, abandonnant progressivement la réalité rurale pour le symbolisme, ainsi que la technique traditionnelle des couleurs mélangées sur la palette, au profit de l’application pointilliste de couleurs pures sur la toile. L’œuvre représente une vue des Préalpes lombardes depuis la ville de Caglio, mais là aussi l’auteur opère une sorte de montage perspectif, regroupant sur la toile des vues prises sur le vif, mais de lieux différents. La composition, qui va du détail des herbes et des broussailles, décrit au premier plan, en passant par la rangée de vaches à côté du soi-disant poteau, puis parcourant les vastes prairies jusqu’aux détails à peine mentionnés du village et des arbres, pour arriver aux montagnes qui se dressent contre l’étroite bande de ciel blanchie par la neige, semble vouloir représenter, au-delà de l’épisode champêtre, la majesté de l’infini. Dans cette phase de sa production artistique,  l’inspiration de Jean-François Millet et de l’école de Barbizon, pour la similitude tant dans les sujets pastoraux représentés que dans le ton religieux et mystique que Segantini donne à ses scènes, est évidente.

Fatigué du paysage, Segantini quitte la Brianza en 1886, s’installe à Milan avec sa famille pendant six mois et réalise des œuvres pour la bourgeoisie lombarde. Après une longue excursion via Côme, Livigno, Poschiavo, Pontresina et Silvaplana, il s’installe à Savognin dans le canton des Grisons dans la maison Peterelli, où il vit avec sa famille jusqu’en 1894. La lumière de la montagne lui inspire un nouveau langage pictural. Segantini  transforme des moments de la vie villageoise et alpine en images dans lesquelles les ruraux sont intégrés au paysage. Beaucoup de ses grandes œuvres y sont créées dont une nouvelle version de l’Ave Maria bei der Überfahrt, dans laquelle il expérimente pour la première fois la technique du pointillisme. L’un de ses tableaux les plus appréciés, Les Deux Mères, a également été réalisé à Savognin ; Die Scholle de 1890 se trouve maintenant à la Neue Pinakothek de Munich.

Il commence à aborder le mouvement divisionniste, d’abord avec des expériences simples et au fil du temps d’une manière de plus en plus claire et totale. Pendant ce temps, Grubicy mène une activité promotionnelle réussie pour lui, ce qui accroit sa renommée dans le pays et à l’étranger : il devient célèbre aux Pays-Bas, en Belgique, en Allemagne, plus tard aussi en Autriche et au Japon ; il devient ainsi également un collaborateur apprécié et recherché des revues d’art. Au cours de la même année, il commence à intégrer sa propre caractérisation artistique pointilliste avec des accents symbolistes, notamment par l’utilisation d’allégories, basées sur des modèles nordiques.

Max Liebermann et Ludwig Fulda lui rendent visite. Giovanni Giacometti et le jeune Cuno Amiet, qu’il rencontre lors de vacances d’été à Stampa en 1896 avec Giacometti, bénéficient de son soutien bienveillant. Lors de l’exposition universelle de 1886 à Londres, Segantini est l’un des artistes les mieux représentés de l’exposition italienne, confirmant sa présence internationale. En 1889, il est représenté avec des œuvres dans la section italienne de l’exposition universelle de Paris, et le tableau Vaches à l’abreuvoir de 1888 reçoit la médaille d’or. Dans ses peintures, il commence à aborder le symbolisme. La première « rétrospective Segantini » a lieu en décembre 1891 à la galerie Grubicy de Milan. Segantini établit des relations avec les marchands Ernst Arnold à Dresde, Eduard Schulte à Berlin, ainsi que d’autres, à la suite de quoi Alberto Grubicy perd le droit exclusif sur ses œuvres.

Vers 1888 Segantini développe à Milan une solide amitié avec un peintre qui a déjà atteint une grande renommée, Francesco Filippini, qui lui dédie le tableau Impression de la lagune.

Barbara Uffer, son modèle préféré, est représentée dans de nombreuses œuvres de Segantini : entre autres, à partir de 1887, en tant que buveuse à la fontaine dans Bündnerin am Brunnen ; en tant que tricoteuse dans un pré dans Knitting Girl de 1888 ; comme bergère sous un ciel bleu éclatant dans Midi dans les Alpes de 1891 ou comme dormant près d’une clôture en Paix à l’ombre de 1892. Après que Segantini se soit installé à Savognin avec sa famille en 1886, Barbara, alors âgée de 13 ans, connue sous le nom de Baba, travaille pour la famille comme nounou et femme de chambre. Elle s’occupe des quatre enfants Gottardo, Alberto, Mario et Bianca et des chambres. De plus, elle doit accompagner Segantini avec du matériel de peinture et des provisions lorsqu’il travaille dans la campagne.

Lorsque les Segantini déménagent à Maloja en 1894, Baba les suit. En 1899, elle accompagne Segantini au Schafberg, où il travaille sur la partie médiane du triptyque. Après la mort de Segantini, elle reste avec Bice et les enfants pendant encore cinq ans, jusqu’à ce qu’elle quitte la famille au bout de 19 ans.

En 1894, Segantini quitte Savognin et s’installe en Engadine, à Maloja, De Maloja, il ne se déplace que pendant la période hivernale la plus froide, au cours de laquelle il séjourne dans un hôtel à Soglio, dans le Val Bregaglia.

En août 1894, la famille Segantini quitte Savognin, s’installe à Maloja en Haute-Engadine, dans le Chalet Kuoni construit par l’ingénieur de la Compagnie des chemins de fer du Gothard Alexander Kuoni de Coire, un chalet spacieux non loin du lac de Sils, où il peint de nombreux paysages. Il suit également un désir d’approfondissement de la méditation personnelle et la redécouverte de son mysticisme : le petit village de Maloja lui permet une vie un peu solitaire ; la présence puissante du paysage alpin majestueux et intact qui l’entoure se reflète inévitablement dans ses œuvres de l’époque.

Segantini est entré en contact avec les marchands d’art Bruno et Paul Cassirer, ainsi que Felix Königs de Berlin, qui le représentent. À partir de 1896, Segantini travaille à Maloja en été et à Soglio dans le Val Bregaglia en hiver où il séjourne dans un hôtel, avec quelques voyages également à Milan. Entre autres choses, il crée des paysages de haute montagne dans une technique de peinture liée au néo-impressionnisme.

Il formule un projet grandiose et ambitieux, la construction du pavillon de l’Engadine pour l’Exposition Universelle de Paris en 1900 : un édifice rond, d’un diamètre de 70 mètres, dont les murs auraient dû abriter une  gigantesque représentation picturale du paysage engadinois, longue de 220 mètres ; malgré son profond engagement dans le travail, celui-ci est réduit, en raison des coûts trop élevés et du manque de fonds qui en résulte (le soutien financier promis des hôteliers de l’Engadine, parmi les premiers clients du travail, fait également défaut), et devient le Triptyque de la Nature (ou des Alpes ), son œuvre la plus célèbre. Cependant, le triptyque est rejeté, jugé non conforme à l’image touristique que les mécènes entendent véhiculer à Paris, et finit par être exposé dans le pavillon italien. Le grandiose triptyque alpin Devenir – Être – Décéder (La vita – La natura – La morte) est composé des parties Vie, Nature et Mort. La vie est réalisée de 1896 à 1899 près de Soglio, La nature de 1897 à 1899 sur le Schafberg au-dessus de Pontresina dans l’Engadine et La mort de 1896 à 1899 au col de la Maloja en direction de Bergell. Il est aujourd’hui exposé au Musée Segantini de Saint-Moritz.

Pendant son séjour à Maloja, Segantini entretient une correspondance animée avec les poètes Angelo Orvieto (1869-1967) et Domenico Tumiati (1847-1933), la romancière Neera (pseudonyme d’Anna Radius Zuccari, 1846-1918), qui compte parmi ses premiers biographes, le romancier tardif milanais Gerolamo Rovetta, le librettiste Luigi Illica, le peintre  divisionniste Giuseppe Pellizza et le poète napolitain Vittorio Pica (1866-1930). Ce dernier fait connaître l’impressionnisme et le symbolisme au public italien depuis Paris. Un échange commence avec les sécessionnistes viennois, qui voient un pionnier en Segantini. L’apatridie cause de grandes difficultés à Segantini. En Autriche, en revanche, où l’empereur François-Joseph Ier admire ses œuvres, il bénéficie d’une certaine protection.

En 1897, lors d’une réunion à Samedan, Segantini annonce un projet qui sera financé par les hôteliers engadinois, mais qui ne se concrétisera jamais. Pour l’exposition universelle de 1900 à Paris, il a prévu un Panorama de l’Engadine. L’objectif est de créer un pavillon « tout à fait dans la meilleure tradition du panorama du XIXe siècle » où il aurait montré la restauration des beautés naturelles de l’Engadine au moyen d’un illusionnisme pictural et plastique28. Le projet prévoit une architecture circulaire en fer d’une superficie totale de 3850 mètres carrés, qui doit représenter le paysage et l’atmosphère de la vie alpine suisse dans une vue panoramique à 360°. Le Triptyque de la nature doit y être intégré. Le coût élevé d’un million de francs, qui devrait être payé pour le seul loyer, et les longues négociations qui en résultent, qui durent jusqu’en 1900, font échouer le projet.

Pour l’illustration d’une Bible, pour laquelle la maison d’édition Geillustreerde Bijbel Uitgaven à Amsterdam a monté une société dans le but de publier la Bible en plusieurs langues à moindre coût, de nombreux artistes de renommée européenne sont sollicités pour participer. En 1898, Segantini livre trois dessins. L’entreprise dure de 1896 à 1903.

En 1895, il reçoit le premier Grand Prix de la première Biennale de Venise. En 1898, lors de la première exposition de la Sécession viennoise, son œuvre est admirée.

Il expose ses pensées et ses vues artistiques dans de nombreux textes dont en novembre 1898, les Réflexions sur l’art de Segantini, sa réponse à un sondage de Léon Tolstoï dans un article du Figaro, dans lequel il demande aux artistes : « Qu’est-ce que l’art ? », publié par le magazine de la Sécession viennoise Ver sacrum. À la question de Tolstoï, Segantini répond au début : « Quand j’ai voulu apaiser la douleur des parents d’un enfant mort, j’ai peint La douleur réconfortée par la foi ; pour consacrer le lien de deux amants, j’ai peint L’amour au Lebensborn ; pour faire sentir toute l’intimité de l’amour maternel, j’ai peint Le fruit de l’amour, L’ange de la vie ; quand j’ai voulu punir les mauvaises mères et les vaines et stériles voluptueuses, j’ai peint Punition du Purgatoire et quand j’ai voulu enfin indiquer la source de tous les maux, j’ai peint Vanité. » A la fin, il répond : « Léon Tolstoï fait semblant de ne pas savoir ce qu’on entend par beauté et quelle est sa signification. Il n’a qu’à regarder une fleur ; cela lui dirait mieux que n’importe quelle définition ce qu’est la beauté. Il agit aussi comme s’il ne savait pas où commence l’art. Il commence là où s’arrêtent le brutal, l’artificiel et le banal. Si vous passez devant une ferme avec des fleurs amoureusement tenues à la fenêtre, vous pouvez être sûr que l’intérieur de cette maison sera ordonné et propre, et que les gens qui y vivent ne seront pas mauvais. C’est là que l’art commence avec ses bienfaits. »

À la mi-septembre 1899, Segantini gravit le Schafberg avec Barbara Uffer et son fils Mario pour travailler sur l’Être presque terminé. Pendant l’été, il a travaillé sur Devenir et Décéder : le grand Triptyque de la nature doit être prêt pour l’exposition universelle de Paris. Peu de temps après son arrivée, il souffre de douleurs abdominales, de fatigue et de troubles de la conscience, mais continue à travailler sans relâche. Baba se précipite à Saint-Moritz pour voir Oscar Bernhard, médecin et ami du peintre. Avec la femme de Segantini, Bice, qui s’est précipitée de Milan, il escalade la montagne, mais il est impossible d’aider le patient.

Giovanni Segantini décède le 28 septembre à l’âge de 41 ans dans la cabane du Schafberg qui portera plus tard son nom, un jeudi, quarante minutes avant minuit. Sont présents son fils Mario, le Dr Oscar Bernhard et Bice. En prévision de sa fin prochaine, mais aussi de sa reconnaissance, il dit à sa femme découragée : « J’ai vu une grande foule là-bas, ces gens étaient si petits, et moi, j’étais si grand ». Ses derniers mots auraient été : « Voglio vedere le mie montagne. » (Je veux voir mes montagnes.) – un engagement définitif envers ses montagnes bien-aimées. Après sa mort, son jeune ami Giovanni Giacometti vient sur son lit de mort et peint l’artiste vénéré.

Source : Wikipédia.

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