Akira Kurosawa, réalisateur, producteur et scénariste.

Akira Kurosawa est un réalisateur, producteur, scénariste et monteur japonais, né à Tokyo le 23 mars 1910 et mort dans la même ville le 6 septembre 1998. Avec Yasujirō Ozu et Kenji Mizoguchi, il est considéré comme un des cinéastes japonais les plus célèbres et influents de l’histoire1,2. En cinquante-sept ans de carrière cinématographique, il réalise plus de trente films.

Akira Kurosawa débuta en 1936 en tant qu’assistant réalisateur et scénariste. En 1943, au cours de la Seconde Guerre mondiale, il réalise son premier film, La Légende du grand judo. Son huitième long métrage, L’Ange ivre, sort en 1948 et est acclamé par la critique, affirmant la réputation de Kurosawa. Ce film marque les débuts de l’acteur Toshirō Mifune, qui tournera au total seize films avec Kurosawa.

Avec Rashōmon, dont la première eut lieu à Tokyo en août 1950, Akira Kurosawa reçut en 1951 le Lion d’or de la Mostra de Venise, récompense suivie par une diffusion en Europe et en Amérique du Nord. Le succès de ce film auprès du public et de la presse ouvrit alors les portes de l’Occident au cinéma japonais et permit de forger la réputation internationale de nombreux artistes japonais. Des années 1950 au début des années 1960, Kurosawa réalisa environ un film par an, dont Vivre, 1952), Les Sept Samouraïs, 1954) et Le Garde du corps, 1961). Par la suite, sa carrière est moins prolifique, mais ses derniers travaux — dont Kagemusha, l’Ombre du guerrier, 1980) et Ran, 1985) — lui permettent de remporter de nouvelles récompenses, notamment la Palme d’or pour Kagemusha, l’Ombre du guerrier.

En 1990, il reçoit l’Oscar d’honneur « pour ses accomplissements qui ont inspiré, ravi, enrichi et diverti le public mondial et influencé les cinéastes du monde entier ». En 1999, il est nommé à titre posthume « Asiatique du siècle » dans la catégorie « Arts, Littérature, et Culture » par le magazine AsianWeek et CNN, présenté comme « l’une des cinq personnes ayant le plus contribué à l’épanouissement de l’Asie durant les 100 dernières années ».


En 1935, le nouveau studio de cinéma Photo Chemical Laboratories — abrégé P.C.L., et qui deviendra par la suite le studio Tōhō — recherche des assistants réalisateurs. Bien qu’il n’ait jamais envisagé de travailler dans le cinéma et qu’il ait déjà un travail d’illustrateur de livres, Kurosawa répond à l’annonce du studio, qui demande aux candidats de rédiger un essai sur les défauts fondamentaux des films japonais et les moyens d’y remédier. Kurosawa explique dans son papier que si ces défauts sont fondamentaux, alors il n’y a aucun moyen de les corriger. Cette lettre au ton moqueur lui permet de passer les examens suivants. Le réalisateur Kajirō Yamamoto, qui fait partie des recruteurs, insiste pour que Kurosawa soit recruté. En février 1936, à l’âge de 25 ans, Kurosawa entre chez P.C.L.

Au cours de ses cinq années en tant qu’assistant, Kurosawa travaille pour un nombre important de réalisateurs différents, mais celui qui lui apporte le plus reste Kajirō Yamamoto. Sur ses vingt-quatre films en tant qu’assistant-réalisateur, dix-sept sont réalisés par Yamamoto, la plupart étant des comédies jouées par l’acteur Ken’ichi Enomoto, plus connu sous le nom de Enoken21. Yamamoto cultive le talent de Kurosawa, et en une année, il le fait passer directement de troisième assistant à assistant-réalisateur en chef. Les responsabilités de Kurosawa augmentent, et son travail va de l’élaboration des scènes et du développement du film aux repérages des lieux de tournage, en passant par la finition du scénario, les répétitions, l’éclairage, le doublage, le montage et la direction de la seconde équipe. Dans son dernier film en tant qu’assistant-réalisateur, Uma (1941), Kurosawa s’occupe de l’essentiel de la production, Yamamoto étant déjà occupé par le tournage d’un autre film.

Akira Kurosawa, carte maximum, Espagne, 2006.

Yamamoto confie à Kurosawa qu’un bon réalisateur doit avant tout être un excellent scénariste. Kurosawa réalise alors qu’il peut gagner davantage en écrivant des scénarios qu’en étant assistant-réalisateur. Il publie et vend plusieurs scénarios, mais n’obtient pas de son studio d’en assurer la mise en scène.

Après la sortie de Scandale, Kurosawa est approché par les studios Daiei, afin qu’il réalise un deuxième film pour eux après Le Duel silencieux. Le réalisateur choisit alors le script d’un jeune scénariste, Shinobu Hashimoto, basé sur la nouvelle de Ryūnosuke Akutagawa intitulée Dans le fourré qui narre le meurtre d’un samouraï et le viol de sa femme. Kurosawa voit dans cette nouvelle un potentiel cinématographique, et décide de la développer avec l’aide de Hashimoto. Daiei accueille le projet avec enthousiasme, tant le budget requis est faible.

Le tournage de Rashōmon se déroule du 7 juillet au 17 août 1950 dans les grands espaces de la forêt de Nara. La post-production du film dure une seule semaine, et est gênée par un incendie dans les studios. L’avant-première a lieu le 25 août au Théâtre Impérial de Tokyo, la sortie nationale le lendemain. Les critiques sont partagées, intriguées par le thème unique du film. Il s’agit néanmoins d’un succès financier modéré pour la société Daiei.

Le film suivant de Kurosawa, pour Shōchiku, est L’Idiot, une adaptation du roman de Fiodor Dostoïevski. Le cinéaste délocalise l’histoire de la Russie à Hokkaidō, mais reste très fidèle à l’œuvre originale, ce que de nombreuses critiques jugeront dommageable pour le film. Jugé trop long, le film de Kurosawa est raccourci, passant de 265 minutes (près de 4h30) à 166 minutes, ce qui rend l’histoire difficilement compréhensible. À sa sortie, les critiques sont très mauvaises, mais le film rencontre un succès modéré auprès du public, essentiellement grâce à la présence de Setsuko Hara.

Pendant ce temps, à l’insu de Kurosawa, Rashōmon est sélectionné à la Mostra de Venise grâce aux efforts de Giuliana Stramigioli, une représentante basée au Japon d’une société de production italienne. Le 10 septembre 1951, Rashōmon reçoit la plus haute distinction du festival, le Lion d’or. Cette récompense surprend l’ensemble du monde du cinéma, qui à l’époque ignorait quasiment tout de la tradition cinématographique du Japon.

Daiei exploite alors brièvement le film à Los Angeles jusqu’à ce que RKO rachète les droits de distribution sur le sol des États-Unis. Le risque est grand pour RKO : à l’époque, un seul film sous-titré est sur le marché américain, et le seul film japonais ayant été distribué à New York, une comédie de Mikio Naruse en 1937, fut un véritable flop. Pourtant, l’exploitation de Rashōmon est un succès, aidée par de nombreux critiques dont Ed Sullivan : lors des trois premières semaines, le film engrange 35 000 $, et ce dans un seul cinéma de New York. L’intérêt du public américain pour le cinéma japonais grandit alors dans les années 1950, éclipsant le cinéma italien75. D’autres sociétés de distribution diffusent le film en France, en Allemagne de l’Ouest, au Danemark, en Suède et en Finlande76. Grâce à cette renommée, d’autres cinéastes japonais commencent à recevoir des récompenses et à diffuser leurs travaux en Occident, comme Kenji Mizoguchi, et un peu plus tard Yasujirō Ozu, reconnus au Japon mais totalement inconnus en Occident.

Sa carrière gonflée par sa reconnaissance internationale, Kurosawa retourne chez Tōhō et travaille sur son prochain film, Vivre. Le film met en scène Watanabe (Takashi Shimura), un fonctionnaire atteint d’un cancer qui cherche à donner un dernier sens à sa vie. Pour le scénario, Kurosawa s’allie à Hashimoto et à l’écrivain Hideo Oguni, avec qui il coécrit 12 films. Malgré le sujet grave, les scénaristes abordent le récit d’une manière satirique, ce que certains comparent au travail de Bertolt Brecht. Cette stratégie leur a permis d’éviter ce sentimentalisme commun qui règne habituellement autour de personnages atteints de maladies incurables. Vivre sort en octobre 1952, Kurosawa est récompensé de son deuxième « meilleur film » de Kinema Junpō, et le succès au box-office est énorme.

En décembre 1952, Kurosawa s’isole durant 45 jours avec les deux scénaristes de Ikiru, Shinobu Hashimoto et Hideo Oguni. Ensemble, ils écrivent le scénario du prochain film du cinéaste, Les Sept Samouraïs. Il s’agit du premier véritable chanbara de Kurosawa, genre pour lequel il est aujourd’hui le plus connu. L’histoire, celle d’un pauvre village de l’époque Sengoku qui fait appel à un groupe de samouraïs afin de se défendre des bandits, est traitée par Kurosawa d’une manière totalement épique, et l’action est méticuleusement détaillée durant les trois heures et demie. Le film s’appuie sur une distribution d’ensemble impressionnante, composée notamment d’acteurs ayant déjà tourné avec Kurosawa.

Trois mois sont nécessaires pour la préproduction, un mois pour les répétitions. Le tournage dure 148 jours étalés sur près d’un an, interrompu entre autres par des difficultés de production et d’ordre financier, ainsi que par les problèmes de santé de Kurosawa. Le film sort finalement en avril 1954, soit 6 mois après la date prévue. Le film coûte trois fois plus que prévu, et devient alors le film japonais le plus cher jamais réalisé. Les critiques sont positives, et le succès au box-office permet de rentrer rapidement dans les frais. Après de nombreuses modifications, il est distribué sur le marché international. Au fil du temps, et grâce aux versions non modifiées diffusées par la suite, le film accroît sa notoriété. En 1979, un vote parmi des critiques japonais le classe comme étant le meilleur film japonais de tous les temps. Aujourd’hui encore, il est considéré comme tel par certains critiques.

En 1954, des tests nucléaires dans le Pacifique causent des retombées radioactives au Japon, et créent des incidents aux conséquences désastreuses, comme le Daigo Fukuryū Maru. C’est dans cette anxiété ambiante que Kurosawa conçoit son prochain film, Vivre dans la peur (Chronique d’un être vivant). Le propos porte sur un riche industriel (Toshirō Mifune) terrifié à l’idée d’une attaque nucléaire, et qui décide d’emmener sa famille dans une ferme au Brésil pour être en sécurité. La production est moins chaotique que lors du film précédent, mais à quelques jours de la fin du tournage, Fumio Hayasaka, compositeur et ami de Kurosawa, meurt de la tuberculose. La bande originale est alors achevée par l’assistant de Hayasaka, Masaru Satō, qui travaillera sur les huit prochains films de Kurosawa. Vivre dans la peur sort en novembre 1955, mais l’accueil des critiques et du public est timide et réservé. Le film devient alors le premier de Kurosawa à ne pas rentrer dans ses frais durant son exploitation en salle. Aujourd’hui, il est considéré comme le meilleur film traitant des effets psychologiques de la paralysie nucléaire mondiale.

Le projet suivant de Kurosawa, Le Château de l’araignée, est une adaptation du Macbeth de William Shakespeare, dont l’histoire est transposée en Asie à l’époque Sengoku. Kurosawa donne pour instruction aux acteurs, et notamment à l’actrice principale Isuzu Yamada, d’agir et de jouer comme s’il s’agissait d’un classique de la littérature japonaise et non occidentale. Le jeu des acteurs s’apparente alors aux techniques et styles du théâtre nô. Le film est tourné en 1956 et sort en janvier 1957. Le succès en salle est légèrement moins mauvais que pour Vivre dans la peur. À l’étranger, le film devient rapidement une référence parmi les adaptations cinématographiques de Shakespeare.

La production d’une autre adaptation d’un classique européen suit immédiatement celle du Château de l’araignée. Les Bas-fonds, adapté de la pièce du même nom de Maxime Gorki, est réalisé en mai et juin 1957. Bien que l’adaptation soit très fidèle à la pièce de théâtre russe, l’exercice de transposition à l’époque d’Edo est considéré comme une réussite artistique. La première a lieu en septembre 1957, et le film reçoit un accueil partagé, similaire à celui reçu par Le Château de l’araignée. Certains critiques le classent parmi les œuvres les plus sous-estimées de Kurosawa.

Les trois films suivant Les Sept Samouraïs n’ont pas connu le même succès auprès du public japonais. Le travail de Kurosawa est de plus en plus sombre et pessimiste, et le réalisateur aborde les questions de la rédemption. Kurosawa, qui s’aperçoit de ces changements, décide délibérément de retourner à des films plus légers et divertissants. À cette même époque, le format panoramique devient très populaire au Japon. En résulte La Forteresse cachée, film d’action-aventure mettant en scène une princesse, son fidèle général et deux paysans devant traverser les lignes ennemies pour pouvoir rejoindre leurs foyers. Sorti en 1958, La Forteresse cachée est un énorme succès au box-office, et est chaudement accueilli par les critiques. Aujourd’hui, le film est considéré comme l’un des films les plus légers et faciles de Kurosawa, mais reste très populaire pour ses nombreuses influences, notamment sur le space opera Star Wars de George Lucas sorti en 1977.

Depuis Rashomon, les films de Kurosawa atteignent un public plus large, et la fortune du réalisateur augmente. Tōhō propose alors au réalisateur de financer lui-même une partie de ses films, et ainsi de limiter les risques financiers pour la société de production, en échange de quoi Kurosawa aurait davantage de liberté artistique en tant que coproducteur. Kurosawa accepte, et la Kurosawa Production Company naît en avril 1959, avec Tōhō comme actionnaire principal.

Alors qu’il met maintenant en jeu son propre argent, Kurosawa choisit de réaliser un film critiquant ouvertement — et bien plus que ses précédentes œuvres — la politique et l’économie japonaise. Les salauds dorment en paix, basé sur un scénario de Mike Inoue, neveu de Kurosawa, raconte la vengeance d’un jeune homme grimpant dans la hiérarchie d’une entreprise corrompue afin de démasquer les responsables de la mort de son père. Le film colle au mieux à l’actualité de l’époque : pendant la production, de grandes manifestations ont lieu pour dénoncer le Traité de coopération mutuelle et de sécurité entre les États-Unis et le Japon. Ce traité est considéré — notamment par la jeunesse — comme une menace pour la démocratie du pays car il donne plus de pouvoir aux entreprises et aux politiciens. Le film sort en septembre 1960 sous une critique positive mais le succès au box-office est modeste. La séquence d’ouverture de 25 minutes, décrivant une cérémonie d’entreprise interrompue par des journalistes et la police, est largement considérée comme l’une des plus savamment orchestrées de Kurosawa, mais par comparaison le reste du film est perçu comme une déception. Le film a également été critiqué pour son héros conventionnel luttant contre un mal social qui ne peut être résolu par des individualités.

Le Garde du corps, le second film de Kurosawa Productions, est centré sur le samouraï Sanjūrō qui pousse à s’entretuer deux clans se disputant violemment le contrôle d’une ville du XIXe siècle. Le réalisateur joue avec les conventions de genre, en particulier le western, et se permet un portrait artistique de la violence sans précédent au Japon. Sanjurō est parfois perçu comme un personnage fantaisiste qui renverse par magie le triomphe historique des marchands corrompus sur les samouraïs. Le film sort en avril 1961 et obtient un immense succès au box-office, rapportant plus d’argent que tous les films précédents de Kurosawa. Le film démontre une influence importante du genre au Japon, et inaugure une nouvelle ère pour les zankoku eiga, films de samouraïs ultraviolents. Le film et son humour noir ont largement été imités à l’étranger — Pour une poignée de dollars de Sergio Leone en est par exemple un remake scène-par-scène non autorisé — mais beaucoup s’accordent à dire que l’original de Kurosawa est supérieur aux imitations.

À la suite du succès de Yōjinbō, Kurosawa se retrouve sous la pression de la Tōhō qui désire une suite. Il s’oriente alors vers un scénario qu’il écrivit avant Yōjinbō et le retravaille pour y inclure le héros. Sanjuro  est le premier des trois films de Kurosawa à être adapté des travaux de l’écrivain Shūgorō Yamamoto (les deux autres sont Barberousse et Dodes’kaden). Le film est plus léger et plus conventionnel que Yōjinbō, bien que l’histoire de lutte de pouvoir au sein d’un clan de samouraïs est décrite avec des nuances très comiques. Le film sort le 1er janvier 1962 et surpasse rapidement Yōjinbō au box-office.

Pendant ce temps, la Tōhō acquiert à la demande de Kurosawa les droits d’adaptation de Rançon sur un thème mineur (King’s Ransom), roman policier de la série 87e District d’Ed McBain. Kurosawa veut en effet un film dénonçant le kidnapping, qu’il considère comme l’un des pires crimes. Le thriller Entre le ciel et l’enfer est tourné fin 1962 et sort en mars 1963 sous des critiques élogieuses. Le film explose une nouvelle fois les records d’audience de Kurosawa, et devient le plus gros succès de l’année au Japon. Toutefois, le film est blâmé pour une vague d’enlèvements ayant lieu peu après la sortie du film. Kurosawa lui-même reçoit des menaces d’enlèvement visant sa fille Kazuko. Peu connu aujourd’hui, Entre le ciel et l’enfer est néanmoins considéré par de nombreux critiques comme l’une des œuvres les plus importantes du cinéaste.

Kurosawa enchaîne rapidement avec son prochain film Barberousse. Il se base pour cela sur des nouvelles de Shūgorō Yamamoto ainsi que sur Humiliés et offensés de Dostoïevski. Ce film d’époque qui se déroule dans un hospice du milieu du XIXe siècle permet à Kurosawa de mettre en avant les thèmes humanistes qui lui sont chers. Yasumoto, un jeune médecin formé à l’étranger, vaniteux et matérialiste, est contraint de devenir interne dans la clinique pour pauvres du docteur Niide, surnommé Akahige (Barberousse) et interprété par Mifune. Au début réticent, Yasumoto finit par admirer Barberousse et à respecter les patients qu’il méprisait à son arrivée113.Yūzō Kayama, l’interprète du personnage de Yasumoto, est à l’époque une star de films et de musiques populaires. Cette célébrité permet à Kurosawa de garantir un certain succès à son film. Le tournage, le plus long jamais effectué par le réalisateur, s’étale sur près d’une année après 5 mois de préproduction, et s’achève au printemps 1965. Barberousse sort en avril 1965, devient le plus grand succès de l’année au Japon et remporte le trophée du meilleur film de Kinema Junpo, le troisième et dernier pour Kurosawa. Le film reste l’un des plus connus et des plus appréciés de Kurosawa au Japon. À l’étranger, les critiques sont plus partagées. La plupart des critiques reconnaissent sa maîtrise technique (certains le situent même parmi les meilleures réalisations de Kurosawa), tandis que d’autres insistent sur son manque de complexité et de puissance narrative. D’autres prétendent enfin que ce film représente un recul de Kurosawa dans ses engagements politiques et sociaux.

Barberousse marque la fin d’une ère pour Kurosawa. Le réalisateur lui-même le reconnaît à la sortie du film, et déclare au critique Donald Richie qu’un cycle vient de se terminer, et que ses films à venir et ses méthodes de production seront différents118. À la fin des années 1950, la télévision se développe et domine les audiences du cinéma. Les revenus des studios de cinéma chutent et ne sont plus investis dans des productions coûteuses et à risques comme celles de Kurosawa. Barberousse marque aussi chronologiquement la moitié de la carrière du cinéaste. Au cours de ses 29 premières années dans l’industrie du cinéma il réalise 23 films, tandis que lors des 28 années suivantes il n’en réalisera que 7 de plus, et ceci pour diverses raisons complexes. Aussi, pour des raisons jamais réellement exposées, Barberousse est le dernier film de Kurosawa avec Toshirō Mifune. Yu Fujiki, un acteur ayant travaillé sur Les Bas-Fonds, déclare à propos du rapprochement des deux hommes que « le cœur de M. Kurosawa était dans le corps de M. Mifune ». Donald Richie décrit leurs rapports comme une symbiose unique. Pratiquement toutes les critiques s’accordent à dire que la meilleure période de la carrière de Kurosawa se situe entre 1950 et 1965 – marquée par Rashomon et Barberousse – et que ce n’est pas une coïncidence si cette phase correspond à la période de collaboration de Mifune et du réalisateur.

Quand le contrat d’exclusivité entre Kurosawa et Tōhō arrive à son terme en 1966, le réalisateur, alors âgé de 56 ans, s’apprête à prendre un virage important dans sa carrière. Les problèmes rencontrés par l’industrie cinématographique japonaise et les douzaines d’offres émanant de l’étranger l’incitent en effet à travailler hors du Japon, une première dans sa carrière.

Pour son premier projet étranger, Kurosawa s’inspire d’un article du magazine Life. Ce thriller produit par Embassy Pictures, qui aurait dû être tourné en anglais et titré Runaway Train, aurait été le premier film en couleur de Kurosawa. Mais la barrière de la langue est un problème majeur pour cette production, et la traduction en anglais du scénario n’est pas achevée à l’automne 1966, alors que le tournage est censé débuter. Le tournage nécessitant de la neige, il est reporté à l’automne 1967, puis annulé en 1968. Près de vingt ans plus tard, Andreï Kontchalovski, un autre étranger à Hollywood, réalise finalement Runaway Train, un film au scénario totalement différent des travaux de Kurosawa.

Malgré cet échec, Kurosawa est par la suite impliqué dans des projets hollywoodiens beaucoup plus ambitieux. Tora ! Tora ! Tora !, produit par la 20th Century Fox et Kurosawa Production, est une description de l’attaque de Pearl Harbor des points de vue américain et japonais. La partie japonaise du film est initialement confiée à Kurosawa, la partie américaine à un réalisateur anglophone. Kurosawa passe plusieurs mois à travailler sur le scénario en compagnie de Ryūzō Kikushima et Hideo Oguni, mais rapidement le projet commence à se désagréger. Le réalisateur choisi pour les passages américains n’est pas comme prévu le célèbre anglais David Lean, ce que les producteurs avaient fait croire à Kurosawa, mais Richard Fleischer, un expert en effets spéciaux beaucoup moins connu que Lean. Le budget initial subit également des coupes, et la durée de film allouée aux séquences japonaises ne doit pas excéder 90 minutes, ce qui se révèle être un gros problème pour Kurosawa, dont le script dépasse les 4 heures. En mai 1968, après une multitude de modifications, un scénario tronqué plus ou moins fini est convenu. Le tournage débute en décembre, mais Kurosawa reste à peine trois semaines en tant que réalisateur. Son équipe et ses méthodes de travail sont peu familières aux exigences d’une production hollywoodienne et laissent perplexes les producteurs américains, qui en concluent que Kurosawa est un malade mental. Au Noël 1968, les producteurs annoncent que Kurosawa quitte la production, officiellement pour « fatigue ». Officieusement, il en est congédié. Finalement, il est remplacé par les deux réalisateurs Kinji Fukasaku et Toshio Masuda.

Tora ! Tora ! Tora ! sort finalement en septembre 1970 sous des critiques peu enthousiastes, et reste une véritable tragédie dans la carrière du cinéaste. Kurosawa consacra en effet plusieurs années de sa vie sur un projet à la logistique cauchemardesque, pour finalement ne pas réaliser un seul mètre de film. Puis son nom est enlevé des crédits, alors que le script des séquences japonaises reste celui qu’il a coécrit. Par la suite, il se détache de son collaborateur de longue date, l’écrivain Ryūzō Kikushima, et ne travaillera plus jamais avec lui. Le projet met également au grand jour une affaire de corruption au sein de sa propre société de production — une situation proche d’un de ses films, Les salauds dorment en paix. Sa santé mentale fut remise en question. Enfin, le cinéma japonais commence à le suspecter de vouloir mettre un terme à sa carrière cinématographique.

Pour son film suivant, Kurosawa choisit un sujet très différent de ce qu’il a pu aborder tout au long de sa carrière. Rêves, un film profondément personnel, est entièrement basé sur les propres rêves du réalisateur. Pour la première fois depuis près de quarante ans, Kurosawa s’attelle seul à l’écriture du scénario. Bien que le budget prévisionnel soit plus faible que Ran, les studios japonais restent réticents à produire un nouveau film de Kurosawa. Le cinéaste se tourne alors vers un autre de ses admirateurs célèbres, le réalisateur américain Steven Spielberg, qui persuade la Warner Bros. de racheter les droits du film. Ce rachat permet à Hisao Kurosawa, le fils d’Akira, coproducteur et futur dirigeant de Kurosawa Productions, de négocier plus facilement un prêt au Japon permettant de couvrir les frais de production. Le tournage dure plus de huit mois, et Rêves est projeté pour la première fois en mai 1990 au Festival de Cannes. L’accueil au Festival est poli mais discret, et il en sera de même lors de sa diffusion internationale.

Kurosawa se tourne ensuite vers une histoire plus conventionnelle, Rhapsodie en août, qui s’intéresse aux cicatrices du bombardement nucléaire de Nagasaki à la fin de la Seconde Guerre mondiale. Le scénario est une adaptation du roman de Kiyoko Murata, mais les références au bombardement viennent du réalisateur et non du livre. Le film, le premier entièrement produit au Japon depuis Dodes’kaden, est également le premier film de Kurosawa dans lequel apparaît une star du cinéma américain, en l’occurrence Richard Gere dans le petit rôle du neveu de l’héroïne. Le tournage a lieu début 1991 et sort le 25 mai de la même année. Les critiques sont très mauvaises, notamment aux États-Unis où Kurosawa est accusé d’antiaméricanisme.

Kurosawa ne perd pas de temps et passe très rapidement à son projet suivant, Madadayo. Basé sur les essais autobiographiques de Hyakken Uchida, le film suit la vie d’un Japonais professeur d’allemand durant la Seconde Guerre mondiale et l’après-guerre. Le récit est centré sur les célébrations d’anniversaires avec ses élèves, au cours desquelles le protagoniste répète son refus de mourir tout de suite – un thème de plus en plus récurrent dans les travaux du réalisateur alors âgé de 81 ans. Le tournage débute en février 1992 et se termine en septembre. Le film sort le 17 avril 1993, mais récolte des critiques encore plus mauvaises et décevantes que ses deux films précédents.

Cet échec n’empêche toutefois pas Kurosawa de continuer à travailler. En 1993, il écrit le scénario original de La mer regarde, suivi en 1995 du script de Après la pluie. Alors qu’il finalise ce dernier en 1995, Kurosawa chute et se brise la base la colonne vertébrale. À la suite de cet accident, il doit utiliser un fauteuil roulant pour le reste de sa vie, mettant fin aux espoirs de le revoir un jour réaliser un nouveau film. Son souhait de toujours – mourir sur le tournage d’un film – ne se réalisera jamais.

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Sources : Wikipédia, YouTube.

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